entretodos

Si vives en el mundo rico... Si vives en la parte rica del mundo y tienes vergüenza, pincha en este enlace.

Aún no he dejado de ruborizarme. Y si lo pienso me atormento.

¿Sabes cuánta gente está por encima de ti en riqueza? ¿Y por debajo en pobreza?

Y aún así, tendremos la poca moral de quejarnos.

Que alguien me salve.

http://www.globalrichlist.com/

  Muchas veces nos olvidamos de las realidades más cercanas y al pensar en otras comunidades nuestra imaginación vuela a países lejanos. Las Jornadas de Historia Contemporánea en su próxima edición se dedican a la comunidad gitana. El título: LA COMUNIDAD GITANA EN ESPAÑA Y REGIÓN DE MURCIA: ENTRE LA INTEGRACIÓN Y LA EXCLUSIÓN.

  Se celebrarán en Cajamurcia (Aula de la Gran Vía nº 23) los días 4 y 5 de marzo. Os adjunto la información de inscripción:

   "(...) la inscripción es gratuita y se expedirá el oportuno diploma/certificación de asistencia (20 horas) por el expresado Vicerrectorado a postgraduados, estudiantes y otros matriculados, y por el CPR Murcia II para los profesores en activo, dado que esta actividad ha sido incluida en el Plan Regional de Formación Permanente del Profesorado. Los matriculados asistentes recibirán también el día de la inauguración una carpeta con el material de las Jornadas, así como en el de la clausura (con el diploma-certificación) las Actas de las Jornadas anteriores sobre La Mujer en los Movimientos Migratorios Contemporáneos: de las Emigraciones y Exilios a la Inmigración actual en España y Región de Murcia (volumen de 520 páginas)."

             Últimamente, navegando por Internet he encontrado varias páginas que pueden servir de utilidad a aquellas personas que estén aprendiendo el idioma español. En primer lugar os quiero remitir a una página donde os podéis descargar un programa, El español es fácil, cuya finalidad es facilitar el aprendizaje del español a través de Internet. Pero lo más interesante es que la ayuda la tenéis explicada en diferentes idiomas; árabe, ruso, chino, rumano, polaco, inglés, etc. De esta forma el acercamiento al idioma español se realiza de manera más amena; además, es gratuito. Se trata de la siguiente página:

http://www.cnice.mec.es/profesores/descargas_primaria/lengua_literatura/#e_facil

              Se trata de programas que son útiles no sólo para aquellos que estén aprendiendo el español, sino también para los profesores que reciban en sus aulas alumnos recién llegados con un desconocimiento total de esta lengua. Además, a estos profesores les facilito la siguiente página, que pertenece a la Región de Navarra, donde podrán encontrar materiales para la enseñanza del español como segunda lengua y diferentes recursos para el alumnado relacionados con la multiculturalidad:

http://www.pnte.cfnavarra.es/profesorado/recursos/multiculti/

             Espero que estas recomendaciones os sean útiles.

    La programación del Centro Párraga para este primer trimestre es un lujo a nuestro alcance. El 7, 8 y 9 de febrero pudimos ver "Teatro da mangiare ?" Un espectáculo para una treintena de espectadores que, al rededor de una mesa disfrutan de una cena. No es una cena cualquiera porque los cultivadores de los productos biológicos que estamos comiendo comparten no solo el pan, la pasta, las verduras... sino también sus vivencias, las decisiones que les llevaron hasta allí, los nombres de sus animales, sus canciones favoritas...directos al corazón del público.

    No suelo recomendar teatro que no haya visto antes, por eso la crítica a posteriori del espectáculo de Stefano Pasquín y Paola Berselli.

   El 4 y 5 de marzo sí puedo recomendar la Numancia de Ksec Nagoya. Interculturalidad y perfección técnica por apenas 5 euros de entrada.  Tuve la ocasión de verlos en Almagro en Julio de este año y me impresionaron. Es una visión completamente diferente de la Numancia de Cervantes. El honor y la guerra son los temas principales, pero puede ser cualquier guerra, cualquier lugar, cualquier época.

   Para quien el teatro en japonés le parezca un poco fuerte de entrada;decir que el espectáculo está sobretitulado en español. Sin embargo, las interpretaciones son tan perfectas y sorprendentes que llega un momento en que prescindimos del texto para disfrutar de un lenguaje universal. Más información en www.centroparraga.com

  Hay muchas más versiones de la historia de Numancia. Os adjunto un artículo que escribí con mi hermano sobre la Numancia de Rojas Zorrilla y sus valores interdisciplinares y para el estudio de la Antigüedad clásica.

            La recepción de la Antigüedad en el teatro barroco español es algo más que un compendio de lugares comunes. Los grandes dramaturgos de nuestro Siglo de Oro no sólo tenían una esplendida formación clásica sino que la plasmaban constantemente en sus piezas dramáticas. Argumentos, personajes, modelos de vida, costumbres aparecen reflejados en algunas de nuestras obras más emblemáticas. Circunstancia que no deja de ser curiosa si tenemos en cuenta la escasa formación académica de la mayor parte del público de los corrales áureos.

            No cabe duda que el teatro es una plataforma ideal para acercar el mundo antiguo a cualquier nivel académico y a todo tipo de público. La actualización de nuestro repertorio clásico puede ser una herramienta fundamental para revitalizar los estudios sobre la Antigüedad grecolatina.

            Lope de Vega, iniciador de la comedia nueva ya cultiva temas antiguos y de la mitología en obras como El vellocino de oro, Adonis y Venus o La fábula de Perseo. Aunque será Calderón en su condición de dramaturgo de corte quien escriba numerosas piezas de inspiración mitológica y caballeresca acordes con el público a que van destinadas y contando para ello con grandes medios escénicos. Son piezas como: El divino Jasón, La estatua de Prometeo y fábulas y fiestas musicales como El hijo del sol, Faetón. Cerca de una veintena de comedias mitológicas se cuentan en el corpus calderoniano. Escribe muchas más comedias del tema y más elaboradas que sus compañeros de oficio Lope o Tirso. Es este, por otra parte, un género que solo tiene cabida adecuada en el teatro de corte, el Coliseo, y es imposible de representar por los medios técnicos que requiere, en los corrales de comedias, escenario habitual de las comedias de Lope y Tirso. Sin embargo, esto no significa que los dramaturgos del Siglo de Oro que escribían para los corrales no incluyan en sus comedias referencias constantes a la Antigüedad grecolatina en todos sus aspectos. Ni que poco a poco, conforme avanza la comedia española y el público demanda nuevas historias, no vayan apareciendo obras de tema grecolatino destinadas a un público tanto cortesano como no cortesano. Así, los grandes temas del teatro clásico español: amor, honor, celos…encuentran en los personajes de la antigüedad interlocutores a su medida; seres ficticios capaces de expresar todos los valores humanos desde un tablado, independientemente de la categoría de este.

El ejemplo del toledano Rojas Zorrilla, habitualmente incluido en la nómina de la escuela calderoniana puede concretar estos valores.

Rojas empieza a escribir para los corrales cuando la comedia nueva ya está perfectamente establecida. Es decir: el público de los corrales en su momento concreto ya se ha convertido en un público experto en materia teatral y no le vale cualquier cosa. El teatro ha pasado de ser un acontecimiento festivo a semanal y de ahí a diario. Y las obras se suceden a un ritmo frenético que hoy en día no soportaría ninguna compañía profesional. Incluso las obras más exitosas apenas duran en cartel. Este público tiene un horizonte de expectativas alto y quiere piezas novedosas, originales, espectaculares. Rojas Zorrilla encuentra en los temas de la Antigüedad el filón para desplegar todo su talento dramático en títulos como Los áspides de Cleopatra, Lucrecia y Tarquino, Progne y Filomena, Los encantos de Medea o Morir pensando matar. Valbuena escribe que Rojas es uno de los autores áureos que mejor han comprendido la dignidad del coturno griego[1]. Y es ciertamente en el tratamiento de los conflictos trágicos donde muestra toda su originalidad. Mucho se ha hablado del hiperdramatismo del toledano, en palabras de Mª. Teresa Julio:

«El hiperdramatismo de Rojas no consiste pues, en la acumulación de crímenes sangrientos o truculentos (no hay ni más ni menos que en otras tragedias, e incluso suele ser más moderado que las propias fuentes) sino en la selección de los temas, en la presentación efectista de los sucesos y en cómo se alternan el horror y la risa dentro de una misma obra»[2].

Para profundizar un poco más en estos aspectos nos vamos a centrar en una obra de su corpus sobre el tema de Numancia. Es una de sus composiciones menos conocida. En realidad, se trata de una obra en dos partes: Numancia cercada y Numancia destruida. El manuscrito de Numancia cercada[3] termina su tercera jornada diciendo:

            «Y aquí mi autor perdón pide,

gran senado de los hierros;

y os suplica que mañana

vengáis a ver el suceso

de la invencible Numancia,

terror del romano imperio»[4].

            Esta petición directa a los espectadores para que «mañana vengáis a ver el suceso de la invencible Numancia»; es decir: la segunda parte, la obra Numancia destruida, nos sugiere la posibilidad de que solieran representarse las dos partes en días sucesivos. Esta fórmula entronca con los orígenes del propio teatro, recordemos, por ejemplo los concursos del teatro griego. Sin embargo, no ha llegado hasta nosotros noticia alguna sobre la fecha del estreno, ni sobre la fecha de composición de las comedias numantinas de Rojas[5], aunque no hay duda de que el manuscrito de Numancia cercada era propiedad de una compañía teatral.

Numancia destruida[6] termina con la historia en una fórmula típica:

«Aqueste es el fin que tuvo,

La invictísima Numancia;

celebrad su valentía

y perdonad nuestras faltas[7]».

            El nombre de Numancia está asociado a uno de los acontecimientos más conocidos de nuestra historia: la prolongada resistencia de las gentes celtibéricas al asedio del ejército romano. La resistencia numantina es un referente universal de la lucha de un pueblo por su libertad a pesar de su aparente debilidad; por eso ha sido utilizada como símbolo por todas las ideologías a lo largo de la historia. Su ejemplo caló vivamente en la conciencia de los conquistadores como lo demuestra el hecho de que Numancia sea la ciudad celtíbera más citada en las Fuentes Clásicas. Son veintidós los escritores de la Antigüedad que se refieren a Numancia, pero de este conjunto de información destaca la más completa y detallada proporcionada por Apiano Alejandrino, que se informó en Polibio, amigo de Escipión y testigo presencial del cerco y destrucción de la ciudad. También nombran a Numancia Estrabón, Mela, Plinio, Ptolomeo, el itinerario de Antonino de época del Imperio Romano y el Anónimo de Rabena del siglo VII, entre otros. El Siglo de Oro, especialmente durante el reinado de Felipe II (1556-1589) fue uno de los momentos en que más se utilizó el ejemplo numantino coincidiendo con el apogeo del Imperio español.

            Cuando pensamos en el tema de Numancia inmediatamente la referencia que aparece es la tragedia cervantina, La destrucción de Numancia, obra compuesta por nuestro autor más universal un año o dos después de su regreso a España en 1580 tras su cautiverio en Argel. Son muy evidentes las deudas de estas obras con la Numancia de Cervantes. A partir de Cervantes se acentuó el contenido simbólico de la gesta utilizándose para incentivar la resistencia heroica contra el enemigo y los ideales de libertad de un pueblo.

            Ambos autores se han documentado para abordar sus respectivas composiciones. El elemento reforzador de las obras es la propia historia. El poeta es susceptible de alejarse de la versión auténtica cuando así lo requiere la trama. Nadie mejor que Tirso de Molina para explicar su juego histórico en los Cigarrales de Toledo aludiendo a las críticas sobre la parte histórica de su obra El vergonzoso en palacio, quizá el ejemplo más conocido de entre las comedias tirsianas.

            «Pedante hubo historial que afirmó merecer castigo el poeta que, contra la verdad de los anales portugueses, había hecho pastor al duque de Coimbra don Pedro –siendo así que murió en una batalla que el rey don Alonso, su sobrino, le dio, sin que le quedase hijo sucesor- en ofensa de la casa de Avero y su gran Duque, cuyas hijas pintó tan desenvueltas que, contra las leyes de su honestidad, hicieron teatro de su poco recato la inmunidad de su jardín. ¡Como si la licencia de Apolo se estrechase a la recolección histórica y no pudiese fabricar sobre cimientos de personas verdaderas, arquitecturas de ingenio fingidas! (Cigarral primero)».

            Es ya un lugar común la alteración de los sucesos históricos por parte de los dramaturgos barrocos a favor de un interés dramático. «Fabricar sobre cimientos de personas verdaderas arquitecturas de ingenio fingidas». Es una definición suficientemente esclarecedora por sí misma. En palabras de Arellano «Es pues, absurdo reclamar a Tirso (o a cualquier otro poeta) por sus “infidelidades” a los detalles históricos. La Poesía tiene la prerrogativa de usar la historia como cimiento moldeable con total libertad por el ingenio»[8].

            No olvidan nunca nuestros dramaturgos que escriben para un público que ha aprendido a través del romancero y que no le pide al drama histórico sino una sucesión de hechos que mantengan vivo su interés, sin más sujeción que la de responder a un espíritu nacional. Es decir, una verosimilitud en los presupuestos ideológicos asumidos, pero no una veracidad estricta en lo representado, que ni pueden verificar, ni además les importa.

            Aún así la documentación de los dramaturgos es fácilmente rastreable. Cervantes utiliza como fuente la continuación por Ambrosio de Morales de la Crónica General de Florián de Ocampo (Alcalá de Henares 1573) y Rojas la misma fuente a la que añade La Historia General de España del padre Juan de Mariana (primera edición en latín 1592, primera edición en castellano 1601).

            Las modernas ediciones han encontrado algunos errores históricos. Así Numancia como personaje alegórico afirma:

«No ha de ver mi deshonra en los triunfales

carros el Quirinal ni el Aventino»[9].

Efectivamente está haciendo referencia a dos de las siete colinas de Roma. A pesar de lo dicho, las procesiones triunfales solían pasar por la vía Sacra, que iba del Palatino al Capitolio.

            En la misma comedia aparece un sacerdote que vaticina:

«Los tirios, que desde Grecia

pasarán a España, tienen

de poblar sus nuevos muros

de noble y robusta gente.

Y trocándose los montes,

Soria a Numancia sucede[10]».

Rojas se equivoca en la cronología puesto que los tirios (habitantes de Tiro, ciudad de la antigua Fenicia) llegaron a España varios siglos antes de la guerra numantina.

            Vemos entonces que los dramaturgos de la época se documentan antes de la composición de las obras pero no sujetan su libertad creadora a los patrones históricos marcados. La trama está por encima de cualquier consideración de fidelidad a los hechos acaecidos. Por otro lado, a pesar de su formación clásica, muy superior a la media actual, pueden llegar a cometer estos errores históricos.

¿Cuáles son entonces los valores de estas obras como herramientas para el docente a pesar de sus deficiencias históricas?

En primer lugar podemos hablar de los valores dramáticos. Al espectador igual que al alumnado de hoy en día se hace muy difícil sorprenderlo o escandalizarlo. Ya no se conforma con que se suscite su diversión, su admiración o su fascinación; necesitan todo eso y en un proceso rápido inmersos como estamos en la cultura de la imagen. El desconocimiento de estas obras de Rojas Zorrilla y su nula presencia en los escenarios actuales pueden actuar como ventaja en este caso.

Cuando se habla de nuestro teatro clásico las referencias son siempre las mismas: La vida es sueño, Fuenteovejuna, Peribáñez…apenas un corpus de quince o veinte textos de los miles que se produjeron para los corrales de comedias. Aunque estas piezas dramáticas sean indudablemente obras maestras que se han ganado a pulso su presencia en nuestra cultura general, no debemos renunciar a otras desconocidas o menos conocidas que se pueden mostrar como eficaces herramientas didácticas.

            Fijémonos por ejemplo en la primera escena de Numancia cercada. Solo en esta escena inicial se hace referencia a Sagunto, Cartago, Hesperia, Liguria, Babilonia, Colcos, Troya y el Tíber. Las referencias a personajes reales y mitológicos también son abundantes: Viriato, Apolo, Pompeyo, Marte, Ganímedes o Belona. Asimismo, a partir de esta escena se puede explicar en qué consiste el cargo de cónsul y las funciones del senado, la historia de la Quimera de Licia, la búsqueda del vellocino de oro, las manzanas de las Hespérides y la historia de la Hidra de entre los trabajos de Hércules. En apenas 200 versos podemos traer a colación buena parte de la geografía, historia y mitología clásicas.

            Las piezas dramáticas a las que nos referimos están además plagadas de dichos clásicos parece que extraídos del Tesoro de Covarrubias como el atribuido a Salustio: «Concordia parvae res crescunt, discordia maximae dilabuntur» que en Rojas aparece:

«porque las cosas pequeñas

se aumentan con la concordia,

y de montes de altas peñas

apenas con la discordia

vienen a quedar las señas»[11].

Rojas Zorrilla también utiliza a Covarrubias para dramatizar la conocida anécdota de las saetas atadas en un manojo[12]: «…Ciluro, rey bárbaro, estándose muriendo dio a sus setenta hijos (…) para que le quebrasen; y ninguno pudo hasta que dijo al menor que las desatase y las rompiese una a una, lo cual hizo el muchacho con mucha facilidad y presteza (…) Parad mientes, que si estuviérades concordes y adunados seréis invencibles, y si os dividía y discordais fácilmente seréis vencidos de cualquiera».

Esta conocida anécdota figura entre otras en las fábulas de Esopo y muy recientemente la podemos ver en la película de David Linch Una historia verdadera. Está claro que la vigencia de estas historias se puede aprovechar independientemente del género que utilicemos.

Rojas recurre al latín en forma de una inscripción que aparece para llevar un presagio funesto a los habitantes de Numancia:

culpa, Hispania, subertetur»[13]

Es profecía de la sibila que por culpa de Florinda será perdida España. Como si de una Ifigenia numantina se tratase Florinda, una de las protagonistas, se dispone al sacrificio. No será necesario pues un personaje interpreta que la Florinda a quien se refieren es otra posterior cronológicamente. Florinda (la Cava) violada por el rey Rodrigo será la causa de que su padre, el conde don Julián conspire con los moros para la invasión de España.

Vemos que el estatuto de los personajes es bastante ambiguo y no se basa en criterios de verosimilitud. La gran mayoría de estos personajes aparecen solo como prueba de que la guerra es una enorme calamidad que afecta a todos. Uno de sus fines más importantes es la demostración del heroísmo del pueblo sitiado ante el sufrimiento y el dolor. Para lograr este propósito el autor emplea a más de setenta personas muchas de ellas anónimas aunque representativas (Numantinos, mujeres y niños).

En Rojas la guerra es un pretexto para una trama más amplia donde se desarrollaran las acciones y pasiones de los caracteres en varias intrigas amorosas. En los momentos en que cobran entidad las pasiones amorosas de Retógenes y Florinda y de Yugurta y Artemisa el cerco en sí y el drama numantino se transforman en telón de fondo. A ello hemos de añadir la figura del traidor Megara, enamorado de Florinda y la pareja de graciosos (Tronco y Olalla) que se encarga de distender momentáneamente la tensión de las escenas y en algunos casos de parodiar los pasajes más trágicos. No hay rasgos de humor en la tragedia cervantina que sí aparecen en Rojas y, desde luego, dotan las obras de un ritmo muy peculiar.

Siguiendo el recuento de ventajas e inconvenientes, entre los posibles obstáculos contenidos en estas piezas a ojos del público moderno, nos encontramos con la forma del texto: el verso. A partir de textos rigurosamente fijados el verso puede resplandecer en todo su valor estético además de representar un apoyo sólido para los actores (sobre todo mnemotécnicamente). Se ha de procurar no romper el ritmo interno y unificar la declamación que del verso haga el reparto. Se trata de una tarea nada fácil del director. Él es quien debe evitar las disonancias y la multiplicidad de estilos en beneficio del resultado final. Para el espectador actual es un hábito que se puede y debe adquirir y al que no hay conferir más importancia de la que tiene en la escena contemporánea. El trabajo del verso en el aula puede ser un apoyo interdisciplinar al alumnado actual, en algunos casos con muchas carencias en cuanto a lectura comprensiva.

En el número  de 163-164 de la revista Aula. De Innovación Educativa se publicó un artículo con el título «Pensar la diversidad desde la interculturalidad» (páginas 70-73). Es una reflexión sobre ‘Atención a la Diversidad’ y la ‘Multiculturalidad’ firmada por Núria Planas (Universidad Autónoma de Barcelona).

Lo primero que deja claro el artículo es que “en la actualidad, la escuela es multicultural”. Este fenómeno no es exclusivo de unos lugares o de unas personas específicas. Hoy afecta a todo el sistema, a toda la escuela, a todas las personas.

A través de un ejemplo concreto Núria Planas nos explica cómo “la comprensión del fenómeno multicultural […] va más allá de la identificación de diferencias físicas, la asignación de estereotipos a los alumnos en función de sus países de origen o el reconocimiento de la diversidad lingüística”.

El comportamiento de las personas es el resultado de la confluencia de características psicológicas (personalidad, historia de vida, motivación, creatividad, escenarios emocionales, etc.), características socioculturales (valores, creencias, tipos de socialización, códigos de lenguaje, contextos de pertenencia, etc.) y características cognitivas (formas de percepción, pensamiento, asociación y análisis, estrategias de aprendizaje, ritmos de desarrollo, conexiones entre conocimientos, etc.).

En el aula, la multiculturalidad se expresa por medio de diferencias entre alumnos que no son exclusivamente de tipo cultural, pero que no pueden explicarse ni entenderse sin considerar características socioculturales.

Finalmente se habla en el artículo de Núria Planas del papel del maestro en la escuela ante la interculturalidad y la diversidad: el maestro ha de ser alguien capaz de reconocer la posibilidad de diferencias culturales en tareas escolares aparentemente sencillas y rutinarias. Así habrá de ser un maestro capacitado para ejercer de mediador entre sistemas de valores distintos y con argumentos suficientes para justificar la asunción de unos valores en detrimento de otros.

La práctica educativa es una buena práctica intercultural si hay comunicación e intercambio en torno a la multiculturalidad, aun cuando la comunicación y el intercambio sirvan para mantener los valores dominantes. Así, no se trata de respetar la diferencia por sí misma, sino que lo importante es discutir cada posibilidad y ser capaz de argumentar la opción finalmente escogida.

 Hoy en el periódico LA OPINIÓN hemos podido leer la siguiente noticia:

“NACE LA PRIMERA RED SOCIAL ON LINE PARA RESIDENTES EXTRANJEROS EN ESPAÑA”.

La página web www.comunidadinmigrante.com es la primera red social para inmigrantes en España y tiene como objetivo servir como medio de encuentro de esta comunidad.

Surge al amparo de otras redes sociales on line y pretende que los usuarios puedan contactar con otros miembros de una forma sencilla y amena a través del chat, del correo electrónico y de los foros. También se da la oportunidad de crear un blog personal a quienes se registren de manera gratuita.

Es, en definitiva, un espacio de reunión e integración dentro de una comunidad inmigrante cada vez más extensa.

Hoy os queremos presentar una iniciativa muy encomiable. Es la EDITORIAL A FORTIORI que tiene su sede en Bilbao. En nuestras manos ha caído algo así como una tarjeta de presentación (que os mostramos). En ella podemos leer su deseo para que todos tengamos SALUD, CULTURA Y RESPETO POR NUESTRA OPCIÓN DE VIDA. Y sobre todo el anhelo de que podamos tener “un lugar en el mundo al que puedas regresar siempre que quieras”.

La página güeb es la siguiente:

http://afortiori-bilbao.com/editorial/

El día 8 de marzo se celebra el día Internacional de la Mujer. Se creía que el origen de esta celebración estaba debido a un hecho aislado como es el caso del incendio ocurrido en una fábrica de Nueva York. Según la historiografía española, la festividad está vinculada con un incendio ocurrido el día 8 del año 1908 en una fábrica de textil en Nueva York, llamada Cotton. Las trabajadoras se declararon en huelga en protesta por las condiciones infrahumanas en las que tenían que trabajar, por los salarios bajos, por la jornada laboral de 12 horas, etc. El dueño no sólo no aceptó la huelga de las obreras, sino que cerró las puertas de la fábrica y le prendió fuego, muriendo quemadas las 129 trabajadoras que había dentro.

No obstante, existe otro final para esta versión de la huelga que elimina el incendio. La huelga de las trabajadoras fue dispersada por la policía y muchas mujeres fueron encarceladas y muchas otras murieron pisoteadas por el pánico generado por la carga policial.

Sin embargo, se ha comprobado que la huelga del día 8 de 1908 no existió, ya que era un domingo y tampoco hay referencias a ningún incendio. Por tanto el origen del Día Internacional de la Mujer hay que insertarlo en un contexto mucho más amplio. Será Clara Zetkin (1857-1933), líder del movimiento alemán de las mujeres socialistas, quien proponga esta celebración tomando como antecedente el Women's Day que las socialistas estadounidenses llevaban celebrando desde 1908; cuya finalidad era la reivindicación del derecho al voto de las mujeres.

En conclusión, el Día Internacional de la Mujer tenía como única finalidad promover el derecho al voto de la mujer sin ningún tipo de restricción. La primera celebración de este día se produjo el 19 de marzo de 1911 y fue seguida en Austria, Alemania, Dinamarca y Suecia. En la actualidad, esta celebración es más relevante en unos países que en otros, por ejemplo en Rusia es una fiesta que da el día libre a las trabajadoras mujeres desde  1967. Y en Ucrania es tradicional regalar a la mujer en este día, en el que no deben faltar las flores, y no sólo regalan los hombres a las mujeres, sino que entre hijas y madres también se hacen regalos.

MATAMBRE RELLENO HERVIDO del Uruguay

Antes de dar esta receta que nos ha pasado ENRIQUE WALTER os queremos recordar lo que dicen la REAL ACADEMIA DE LA LENGUA.

http://www.rae.es/

EMPANADAS CRIOLLAS del Uruguay

•  1/2 kilo de harina
•  1 pan de manteca
•  1/2 cda. de pimentón
•  350 grs. de agua
•  1 kilo de carne picada
•  4 cdas. de manteca
•  4 huevos duros
•  1/4 kilo de aceitunas verdes
•  200 grs. de pasas de uva
•  1/4 cdita. de pimentón
•  1 cda. de harina
•  comino, ají  molido, sal, pimienta
•  1/2 taza de caldo

EL CARNAVAL DEL URUGUAY

Historia del Carnaval

En relación al origen del Carnaval, todo es materia opinable. Un rastrear apasionante y complejo en las páginas amarillentas de testimonios bibliográficos de la época hasta quedar a mitad de camino entre el enigma y la conjetura.

Sin embargo todo parece indicar que el CARNAVAL (como tal) nació efectivamente después de la era Cristiana.

Concretamente se ubica al Carnaval en los tres días anteriores al Miércoles de Cenizas, durante los cuales, de acuerdo a las normas del ritual cristiano, tradicionalmente no se comía carne, lo cual arroja luz sobre la etimología del término “ADIOS A LA CARNE” O “CARNEVALE”.

Durante estos tres días, el pueblo liberado del estricto control de sus jerarcas, copa literalmente las calles de burgos, villorrios y aldeas. Se pinta, se disfraza y por sobre todas las cosas critica ferozmente el régimen que padece los restantes 360 días del año, burlándose de sus más conspicuos representantes: señores, eclesiásticos y autoridades comunales. Todo ello bajo la invocación, no del Dios Cristiano, sino del Dios Momo, Dios de la Burla en la Mitología Antigua.

Con el devenir del tiempo el Carnaval fue tomando distintas formas de expresión y en cada país se celebra de diferentes maneras, pero esencialmente no ha perdido su espíritu de fiesta netamente popular.

Momo

Hijo del Sueño y la Noche, dios de las burlas y de las agudezas. Satírico hasta el extremo, nada había perfecto a sus ojos, y los mismos inmortales eran a veces objeto de sus punzantes chanzas. Elegido por Neptuno, Vulcano y Minerva como juez de sus respectivas obras, a las tres encontró defectos. Neptuno hubiera, según él, debido poner al toro las astas delante de los ojos, para herir con más seguridad, o al menos en el lomo para dar los golpes más fuertes. La casa de Minerva le pareció mala, porque era demasiado pesada para ser trasladada de una parte a otra, cuando se topaba con malos vecinos. En cuanto al hombre, obra de Vulcano, hubiera querido que hubiese hecho una ventanita en el corazón para que pudiesen verse sus más secretos pensamientos. La misma Venus no pudo estar a cubierto de sus tiros malignos, sin embargo, como era demasiado hermosa para poder ser criticada, Momo encontró en su calzado un objeto de risa. Se le representa levantándose la máscara y sosteniendo en la mano un muñeco, símbolo de la locura.

Carnaval en el Uruguay

El carnaval en el Uruguay se festeja en el mes de febrero. Cada uno de los 19 Departamentos que conforman nuestro país, celebran el carnaval de diferentes formas, unos con bailes, otros con desfiles y otros con espectáculos callejeros.

En Montevideo, capital de nuestro país, el reinado de Momo se extiende durante 40 noches.

En ese lapso recorren los distintos barrios montevideanos, numerosos conjuntos (Murgas, Parodistas, Humoristas, Revistas Musicales, Agrupaciones Lubolas-candombe- y otros), brindando sus espectáculos al aire libre en escenarios llamados Tablados y que son construidos por particulares o grupos de vecinos exclusivamente para esta fecha.

En estos Tablados, se nuclean por noche entre 2.000 y 3.000 personas en cada uno de ellos.

Esto corrobora y ejemplifica que el Carnaval, en nuestro país, es una de las expresiones más populares y de mayor convocatoria.

En tiempos de la Colonia, los días de Carnaval y también en Navidad y Año Nuevo, los negros esclavos montevideanos se cubrían con túnicas de vivos y chillones colores y salían a la calle para ir hasta las murallas, a cuyo pie se les permitía entonar sus cánticos y realizar sus bailes.

Durante la segunda mitad del siglo pasado tomaron cuerpo algunos "juegos" ─arrojar agua, no siempre limpia, desde las azoteas─ que despertaban la preocupación del vecindario en general y de la policía en particular, que se esforzaba inútilmente en que surtiesen algún efecto sus severísimos edictos prohibitivos.

El carnaval uruguayo es el más largo del mundo: cuarenta días consecutivos entre febrero y marzo. Noche tras noche, los diferentes grupos actúan simultáneamente en un gran número de escenarios en Montevideo y diversas ciudades del interior. Los espectáculos carnavalescos logran mayor cantidad de público en esos cuarenta días que todos los demás eventos culturales juntos ─incluyendo al fútbol─ durante todo un año.

Los escenarios se alzan en clubes sociales y deportivos, predios rudimentariamente acondicionados o simplemente en la calle. Son verdaderos teatros populares que, además de brindar trabajo a gran cantidad de personas que participan directa o indirectamente de la fiesta, permiten desarrollar sus cualidades artísticas a muchos uruguayos que no han tenido acceso a una formación actoral, musical o literaria convencional.

Un promedio anual de sesenta grupos animan el carnaval uruguayo. Están divididos en cinco categorías definidas por medio de reglamentaciones oficiales: revistas, parodistas, humoristas, lubolos y murgas. En Montevideo, estas categorías participan del Concurso Oficial de Agrupaciones Carnavalescas, sometiéndose al fallo de un jurado designado conjuntamente por la Intendencia capitalina y DAECPU, organismo que nuclea a los directores de conjuntos de carnaval. Las jornadas se llevan a cabo en el Teatro de Verano del Parque Rodó y cuentan invariablemente con numeroso público.
Las revistas presentan un espectáculo al estilo del teatro de varietés, basado en una serie de números musicales que pueden o no apoyarse en un argumento, a modo de hilo conductor.

El parodismo muestra una marcada evolución a partir de la década del 70. Su esencia es la recreación, en forma de parodia, de temas reales o de la ficción literaria, cinematográfica y teatral. Originalmente, los parodistas planteaban la escena con una absoluta economía de recursos, ofreciendo un espectáculo visualmente limitado. Pero la creatividad del grupo de "Los Gaby's", dirigido por Tucho Orta, dotó al género de una riqueza coreográfica y musical extraordinaria.

Los humoristas, a diferencia del género anterior, crean en vez de recrear, planteando situaciones humorísticas basadas en temas de actualidad. Si bien utilizan también el baile y la coreografía, estos rubros son menos importantes que la gracia que despliegan en las humoradas.

Las Compañías de Negros y Lubolos reconocen su antecedente en las expresiones culturales africanas. El género se basa en el sonido de los tambores, a partir del cual se crean temas musicales referidos a la esclavitud y a vivencias propias de la raza.
Los lubolos tienen su propia celebración, que ya es un hito de la cultura uruguaya: el desfile de llamadas. Cientos de tambores atruenan los barrios Sur y Palermo de Montevideo el segundo viernes de febrero, convocando a miles de espectadores que se deslumbran con el esplendor de las diferentes comparsas.

La murga, fenómeno musical único, es la expresión artística más popular. Diecisiete hombres disfrazados, sus caras pintadas con llamativos diseños, actúan, cantan y bailan al ritmo original de bombo, platillos y redoblante. Su repertorio es una pintura de la realidad, plena de humor, crítica punzante, sátira y emoción. Plantean espectáculos cargados de color, imaginación y alegría, donde hasta los silencios juegan como elementos expresivos de la comunicación. También este género ha experimentado una gran evolución con el paso del tiempo, pero su esencia desafiante y transgresora permanece incambiada. La murga, como el triunfo de Maracaná, es una huella digital de la identidad cultural uruguaya.

Por el carnaval han desfilado cientos de personajes inolvidables. Las legendarias figuras de Cachela, Pepino, Pianito, Pepe Veneno, Rosa Luna, Tucho Orta o el niño Calatrava han quedado prendidas en la memoria colectiva, y su artesanal tarea artística ocupa un lugar de honor en la joven historia de los orientales. Los temas de las murgas son una herencia que se transmite de generación en generación. Así, los más jóvenes están familiarizados con textos que jamás vieron escritos ni representados, pero que conocen y cantan como parte de una tradición viva que los convoca año a año.

El carnaval uruguayo, teatral por excelencia, expresa el sentir de las capas sociales más modestas, pero involucra al conjunto de la población. Parafraseando a Pablo Neruda, el carnaval uruguayo es poesía que no tiene la simetría griega de los rostros perfectos.

Las Llamadas: a todo candombe

Candombe es la denominación genérica que se le adjudica a las expresiones del arte musical afrouruguayo, el que puede entenderse por la ejecución del ritmo con los tambores, el paso de la danza y las expresiones coreográficas.

Es una expresión de neto corte de artes afrouruguayas, y dado su orígen religioso, esta expresión está caracterizada por la presencia de personajes y elementos de alta y profundas tradiciones culturales.

Los tambores son los componente mas emblemáticos, su composición básica es: tambor chico, es el que mantiene la métrica, el tambor repique es el que lleva la creatividad y la improvisación dentro del conjunto, el tambor piano es el responsable de mantener la base del ritmo. De la ejecución de los tres surge el ritmo del Candombe. Este núcleo de tres tambores se multiplican por 10 o 20 veces, dando comparsas de 60 e incluso más tambores.

Los otros componentes son los personajes típicos: Mama Vieja, Gramillero y Escobero, con sus indumentarias caracterizada por detalles que los diferencian y los distingue del resto de la comparsa, cada uno de ellos contiene en si mismo profundas tradiciones que nos recuerda y concilia con nuestros pasado histórico, dentro de las expresiones artísticas de los negros uruguayos, representan a nuestros ancestros africanos en diferentes funciones, que implicaban acciones específicas y mantienen una profunda connotación religiosa, lo que relaciona a la comparsa con sus orígenes mas puros.

Las bailarinas son otro de los grupos que participan en este cortejo, forman dentro de la agrupación una serie de pequeños conjuntos que realizan coreografías, al paso de típico del candombe. Este grupo se complementa con bailarines hombres, que en un número mucho menor, también desarrollan coreografías al paso típico.

Las vedettes son personajes que se incluyeron en la comparsa a mediados de siglo, pues ella no forma parte de las tradiciones africanas.

Los personajes que portan los denominados trofeos: banderas, estandarte, estrellas y medialunas, se pueden repetir en gran número en una expresión de calle y su colorido y despliegue tienen mucho que ver con la imagen coreográfica de todo el conjunto.

La Noche de las Llamadas, es la gran fiesta de los negros dentro del Carnaval. Esta gran fiesta se desarrolla a lo largo de la avenida Isla de Flores que cruza los tradicionales barrios Sur y Palermo, en pleno centro de la ciudad, lugar donde, desde mediados del siglo XVIII, vivían los negros, y donde este ritmo se hizo maduro ganando su propio lugar de prestigio y respeto en toda sociedad uruguaya.

"Hemos notado un aumento en el interés por esta manifestación tan típica nuestra, tan auténtica, que no se da en otros países de América latina", comentó Lilian Kechichián, directora de la división Turismo de la Intendencia de Montevideo, agregando que quedó sorprendida este año por la gran cantidad de canales de televisión internacionales que solicitaron permisos para transmitir o grabar una fiesta que hasta hace poco estaba limitada al Uruguay.

La Intendencia capitalina pretende que el candombe pueda ser visto, junto a otros grupos de carnaval, como un atractivo turístico durante todo el año en centros de espectáculos.

Por cortesía de Enrique Walter.